آرشیو نویسنده: محمدتقاضائی

مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

تمرینات پیشرفته برای خوانندگی

Posted on by محمدتقاضائی
تمرینات گرم کردن صدا، تنفس صحیح، تمرینات گام و جنس صدا در خوانندگی

فهرست مطالب

مقدمه

خب بریم سراغ تمرینات پیشرفته که مخصوص کسانی است که تمرینات اولیه را به خوبی انجام دادند و می‌خواهند سطح صدایشان را بالاتر ببرند. بعدش هم درباره سبک‌های مختلف خوانندگی توضیح می‌دهم.

لطفا اگر تمرینات مقدماتی در خصوص صداسازی را انجام نداده اید لطفا ابتدا این مقاله را مطالعه کنید.

سپس به ادامه مقاله بپردازید.با سپاس

تمرینات پیشرفته برای خوانندگی

۱. تمرین کنترل دینامیک صدا (Dynamic Control)

• گام ساده (Do-Re-Mi…) را با صدای خیلی آرام شروع کن (piano).

• به تدریج صدای خود را زیاد کن تا به حداکثر حجم (forte) برسی.

• سپس دوباره آرام شو (crescendo و decrescendo).

• این کار را چند بار تکرار کن.

• هدف: یادگیری کنترل شدت صدا بدون فشار آوردن به تارهای صوتی.


۲. تمرین لگاتو (Legato Singing)

• سعی کن نت‌ها را به صورت پیوسته و نرم بدون قطع شدن صدا بخوانی.

• مثلاً روی یک گام Do-Re-Mi-Fa-So، به آرامی و بدون جدا کردن صداها اجرا کن.

• تمرین لگاتو باعث بهبود پیوستگی و زیبایی صدایت می‌شود.


۳. تمرین استکاتو (Staccato)

• برعکس لگاتو، نت‌ها را کوتاه و تیز اجرا کن.

• مثلاً Do-Re-Mi-Fa-So را با صدای کوتاه و جدا از هم بخوان.

• این تمرین کمک می‌کند کنترل بهتری روی شروع و پایان صدا داشته باشی.


۴. تمرینات ارتعاش (Vibrato)

 

• وقتی صدای پایداری داری، سعی کن کمی ارتعاش (Vibrato) به صدایت اضافه کنی.

• با کمی نوسان ملایم در حجم و زیر و بمی صدا این کار را انجام بده.

• این تمرین نیاز به کنترل دقیق نفس و تارهای صوتی دارد و به زیباتر شدن صدای خواننده کمک می‌کند.


۵. تمرینات محدوده صدا (Range Expansion)

• بعد از گرم کردن، به آرامی نت‌های بالاتر و پایین‌تر از محدوده راحتت را امتحان کن.

• فقط در حدی که ناراحتی ایجاد نشود گام‌ها را به سمت بالا یا پایین گسترش بده.

 

• این تمرین باید تحت نظر مربی یا با دقت زیاد انجام شود.

 

 

سبک‌های مختلف خوانندگی

۱. پاپ (Pop)

• صدایی صاف، قابل فهم و با احساس طبیعی.

• استفاده از تکنیک‌های ملایم، در بعضی موارد لرزش (Vibrato) کم. • مثال خواننده‌ها: آریانا گرانده، مایکل جکسون.

۲. کلاسیک (Classical)

• استفاده از تکنیک‌های پیچیده و کنترل نفس بالا.

• صدای بلند، رزونانس زیاد و لگاتو قوی.

• مثال خواننده‌ها: پلاسیدو دومینگو، ماریا کالاس.

۳. جز (Jazz)

• آزادی بیشتر در اجرا، استفاده از آکسان‌ها و تغییرات دینامیک زیاد.

• تمرکز روی بیان احساس و تکنیک‌های خاص مثل اسکاتینگ (Scat Singing).

• مثال خواننده‌ها: اللا فیتزجرالد، لوئیس آرمسترانگ.

۴. راک (Rock)

• صدای پرقدرت، گاهی خشن و با انرژی زیاد.

• استفاده از تکنیک‌های مختلف برای ایجاد تاثیر قوی و گاهی شکسته شدن کنترل صدا.

• مثال خواننده‌ها: فرانک زاپا، رابرت پلنت.

۵. بلوز (Blues)

• صدایی احساسی و گرم با استفاده از تکنیک‌های کششی و لرزش زیاد.

• تاکید روی داستان‌گویی و بیان احساسات.

• مثال خواننده‌ها: بی بی کینگ، اینا بارنت.

 

نتیجه و جمع بندی

هر سبک خوانندگی تکنیک‌ها و ویژگی‌های خاص خودش را دارد و تمرینات مخصوص به خود را می‌طلبد. با شناخت این سبک‌ها می‌توانی سبک مورد علاقه‌ات را انتخاب کرده و تمریناتت را متناسب با آن تنظیم کنی.تمرینات پیشرفته به افزایش مهارت و کنترل صدای تو کمک می‌کنند ولی باید با دقت و صبر انجام شوند تا حنجره آسیب نبیند.

به این مقاله چه امتیازی می دهید؟

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

تمرینات گرم کردن صدا، تنفس صحیح

Posted on by محمدتقاضائی
تمرینات گرم کردن صدا، تنفس صحیح، تمرینات گام و جنس صدا در خوانندگی

فهرست مطالب

مقدمه
یکی از پایه‌های اصلی در خوانندگی موفق، گرم کردن صدا و داشتن تنفس درست است. بدون کنترل صحیح تنفس و گرم نکردن تارهای صوتی، احتمال آسیب به حنجره و افت کیفیت اجرا بالا می‌رود. همچنین تمرینات گام برای بهبود تکنیک خوانندگی بسیار مؤثرند. شناخت جنس صدا هم به انتخاب سبک و گام مناسب کمک می‌کند. در این مقاله به بررسی همه این موضوعات می‌پردازیم.

بخش اول: تمرینات گرم کردن صدا (Warm-up)

چرا گرم کردن صدا ضروری است؟


گرم کردن صدای خود مانند گرم کردن عضلات قبل از ورزش است. تارهای صوتی عضلات ظریفی هستند که نیاز به آمادگی دارند.

گرم نکردن می‌تواند منجر به گرفتگی، خستگی و آسیب شود.


تمرینات گرم کردن موثر

• آواز با آوای “مممم”:

لب‌ها را بسته و صدای «مممم» را با ملایمت و پیوسته از نت پایین تا نت بالا اجرا کنید.

• کشیدن آواهای کشیده (مانند “آاا”) با صدای ملایم و بدون فشار، از پایین‌ترین تا بالاترین نت در محدوده راحت.

• لغزاندن صدا (Glissando):

از یک نت به نت دیگر با صدایی کشیده و ملایم حرکت کنید، مثلاً از نت دو به نت فا.

• آواز با صدای “نون”:

صدای «ننن» با تمرکز بر رزونانس در بینی، برای گرم کردن و باز کردن مسیرهای صوتی.


مدت زمان گرم کردن
معمولاً ۱۰ تا ۱۵ دقیقه تمرینات گرم کردن کافی است. این تمرینات باید با ملایمت شروع شده و به تدریج گسترده‌تر شوند.

بخش دوم: تمرینات تنفس با استفاده از قفسه سینه، دیافراگم و شکم

اهمیت تنفس صحیح در خوانندگی
تنفس منظم و عمیق، پایه تولید صدای قوی و پایدار است.

استفاده از دیافراگم و قفسه سینه باعث کنترل بهتر جریان هوا و جلوگیری از خستگی حنجره می‌شود.


نحوه تنفس دیافراگمی

• دست را روی شکم بگذارید.

• هوا را به آرامی وارد کنید طوری که شکم به سمت بیرون برود نه قفسه سینه.

• هنگام بازدم، شکم را به آرامی به داخل فشار دهید و هوا را به کنترل خارج کنید.

این روش تنفس، بیشترین استفاده را از ظرفیت ریه دارد.


تمرینات تنفسی برای خوانندگی

• تنفس عمیق:

نفس بگیرید به صورتی که قفسه سینه و شکم به طور همزمان منبسط شوند.

• بازدم کنترل شده:

هوا را به آرامی و با فشار ملایم از ریه‌ها خارج کنید (مثل فوت کردن شمع، اما آرام).

• تمرین با شمردن:

نفس بگیرید و در طول بازدم، تا عدد ۸ یا ۱۰ شمرده و هوا را خارج کنید.

• تمرین استفاده از قفسه سینه:

نفس را به طور متوسط بگیرید و حس کنید که قفسه سینه بالا می‌رود، برای ایجاد تنوع در کنترل هوا.
مزیت تمرین تنفس قفسه‌ای و شکمی • کنترل بهتر صدای بلند و ملایم

• افزایش پایداری صدا در اجراهای طولانی

• کاهش فشار به تارهای صوتی

بخش سوم: تمرینات گام (Scale Exercises) و فواید آنها

آیا تمرینات گام مفید است؟

*اگر در مورد گام ها اطلاعی ندارید این مقاله را مطالعه کنید


بله، تمرینات گام از مهم‌ترین تمرینات صدا سازی برای خواننده‌ها هستند.

این تمرینات به شما کمک می‌کنند تا دامنه صدای خود را افزایش داده، کنترل بهتری روی نت‌ها داشته باشید و صدای خود را تقویت کنید.


تمرینات گام پیشنهادی

• صعود و نزول ساده:

نت‌ها را به ترتیب از پایین به بالا و سپس برعکس بخوانید (مثلاً Do-Re-Mi-Fa-So).

• آرپژ (Arpeggio):

نت‌های یک آکورد را یکی یکی و سپس بالعکس بخوانید (مثلاً Do-Mi-So-Mi-Do).

• تمرینات کششی:

روی نت‌های بلند، صدا را به آرامی و پایدار حفظ کنید.

• تمرینات ترکیبی:

تغییر دینامیک صدا (بلند و نرم) در حین خواندن گام‌ها.
نکات مهم در تمرینات گام

• با صدای ملایم و بدون فشار شروع کنید.

• تمرین را در محدوده راحت صدای خود انجام دهید.

• به تدریج دامنه را افزایش دهید.

• تمرینات باید منظم و روزانه باشند.

بخش چهارم: جنس صداهای خانم‌ها و آقایان همراه با مثال خواننده‌ها

1. جنس صدا در خانم‌ها

• سوپرانو (Soprano):

بالاترین جنس صدای زنانه، پرطنین و درخشان.

مثال: ماریسا مونته (Marisa Monte)

• میتزو-سوپرانو (Mezzo-Soprano):

صدایی متوسط، کمی تیره‌تر و گرم‌تر نسبت به سوپرانو. مثال: بیونسه (Beyoncé)

• آلتو (Alto):

پایین‌ترین جنس صدای زنانه، عمیق و گرم.

مثال: ادل (Adele)


2. جنس صدا در آقایان

• تنور (Tenor):

بالاترین جنس صدای مردانه، روشن و پر انرژی.

مثال: آندره آ بوچلی (Andrea Bocelli)

• باریتون (Baritone):

صدایی متوسط، گرم و قدرتمند. مثال: فرانک سیناترا (Frank Sinatra)

باس (Bass):

پایین‌ترین جنس صدای مردانه، سنگین و عمیق. مثال: جانی کش (Johnny Cash)

 

تفاوت جنس صدا


جنس صدا به ترکیب فرکانس‌ها، قدرت و رنگ صوت بستگی دارد. هر خواننده در یکی از این دسته‌ها قرار می‌گیرد و شناخت این موضوع به انتخاب قطعات مناسب و تنظیمات گام کمک می‌کند.

نتیجه‌گیری
خوانندگی حرفه‌ای نیازمند تمرین مستمر و صحیح است. گرم کردن صدا، تنفس دیافراگمی و تمرینات گام ابزارهای اصلی برای رسیدن به صدای سالم و قدرتمند هستند. شناخت جنس صدا هم مسیر رشد هنری را هموارتر می‌کند. تمرینات صحیح، احترام به بدن و حنجره و آگاهی از توانایی‌های خود، کلید موفقیت در خوانندگی است.
 

تمرینات صوتی برای گرم کردن صدا و بهبود کنترل تنفس

۱. تمرین نفس دیافراگمی همراه با صدا

• راحت بایست یا بنشین، شانه‌ها را ریلکس کن.

• یک نفس عمیق از طریق بینی بگیر، به طوری که شکم تو پر شود نه قفسه سینه.

• هنگام بازدم، صدای “سسس” (صدای «س» کشیده) را به آرامی و پیوسته بده و سعی کن بازدم حدود ۸ ثانیه طول بکشد.

• این کار را ۵ بار تکرار کن.

• هدف: کنترل نفس و تمرین استفاده از دیافراگم برای تولید صدای پایدار.

۲. تمرین آوای «مممم» (Mmm) برای گرم کردن تارهای صوتی

• لب‌ها را بسته و صدای «مممم» بده.

• از نت پایین شروع کن و به آرامی نت‌ها را به سمت بالا و پایین بیاور. مثلاً یک نردبان صوتی Do-Re-Mi… و بالعکس.

• صدای خود را رها و بدون فشار نگه دار.

• ۳ تا ۵ دقیقه انجام بده.

• این تمرین باعث تحریک تارهای صوتی و آماده‌سازی آن‌ها برای خوانندگی می‌شود.

۳. تمرین لغزش صوتی (Glissando)

• صدای «آاا» را بده و به آرامی از یک نت پایین به نت بالاتر بلغزان (لغزش بده).

• سپس برعکس، از نت بالا به نت پایین برگرد.

• این تمرین را ۵ بار تکرار کن.

• هدف: انعطاف‌پذیری تارهای صوتی و کاهش گرفتگی.

 

۴. تمرین گام ساده (Scale)

• نت Do را به آرامی بخوان، سپس Re، Mi، Fa، So، La، Ti و دوباره Do بالاتر.

• سپس همین مسیر را برعکس برو.

• صدا را رها و بدون فشار نگه دار.

• اگر صدایی گرفت یا فشار حس کردی، سرعت را کم کن و در محدوده راحت‌تر بخوان.

• روزی ۵ تا ۱۰ دقیقه انجام بده.

• این تمرین دامنه صدای تو را گسترش داده و کنترل صدا را بهتر می‌کند.


۵. تمرین ترکیبی تنفس و صدا

• نفس عمیق بگیر (دیافراگمی).

• صدای «هااا» را به آرامی و با فشار کنترل‌شده هوا بده، تا جایی که صدا پایدار و یکنواخت باشد.

• سعی کن بازدم حدود ۵ تا ۸ ثانیه طول بکشد.

• ۵ تا ۷ بار تکرار کن.

• هدف: تقویت تنفس و هماهنگی بین تنفس و تولید صدا.

نکات مهم هنگام انجام تمرینات

• همیشه با صدای ملایم و بدون فشار شروع کن.

• اگر احساس گرفتگی، درد یا خشکی داری، تمرین را متوقف کن و استراحت کن.

• روزانه تمرین کن، حتی ۵ دقیقه مفیدتر از تمرین طولانی و پراکنده است.

• آب کافی بنوش تا تارهای صوتی مرطوب بمانند.

به این مقاله چه امتیازی می دهید؟

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

مقدمات صداسازی و خوانندگی

Posted on by محمدتقاضائی
مقدمات صدا سازی و خوانندگی، استفاده صحیح از حنجره و بهداشت آن

فهرست مطالب

مقدمه
خوانندگی یکی از زیباترین هنرهاست که نیازمند مهارت، تمرین و مراقبت است. یکی از مهم‌ترین بخش‌های خوانندگی، نحوه صحیح استفاده از حنجره است. استفاده نادرست می‌تواند باعث آسیب به تارهای صوتی و مشکلات حنجره شود، مخصوصاً در سنین بالاتر که حساسیت بافت‌ها افزایش می‌یابد. در این مقاله به اصول اولیه صدا سازی، نحوه صحیح استفاده از حنجره، بهداشت آن و روش پیدا کردن گام صدا می‌پردازیم.

بخش اول: مقدمات صدا سازی و خوانندگی

1. مفهوم صدا سازی


صدا سازی به معنای ایجاد و کنترل صدا از طریق تارهای صوتی و سیستم تنفسی است. صدای خواننده نتیجه هماهنگی بین تنفس، حنجره و دهان است. صدای خوب زمانی ایجاد می‌شود که همه این بخش‌ها به درستی و هماهنگ عمل کنند.


2. تمرینات اولیه برای صدا سازی

• تمرین تنفس دیافراگمی: تنفس عمیق و کنترل شده که با استفاده از دیافراگم صورت می‌گیرد، پایه صداسازی است. این نوع تنفس به شما کمک می‌کند تا صدایی پایدار و قدرتمند داشته باشید.

• گرم کردن تارهای صوتی: قبل از شروع تمرین خوانندگی یا اجرا، باید تارهای صوتی خود را با تمرینات ساده مثل آواهای ملایم گرم کنید تا از آسیب جلوگیری شود.


3. اهمیت درست خواندن و دیکته صدا
خواندن صحیح و استفاده از دیکته درست، به بیان واضح و فهم بهتر آهنگ کمک می‌کند. باید همیشه صدای خود را در حدی نگه دارید که فشار زیادی به حنجره وارد نشود.

بخش دوم: استفاده صحیح از حنجره برای خوانندگی


1. ساختار و عملکرد حنجره


حنجره، ساختاری است در گلو که وظیفه تولید صدا را دارد.

دو تار صوتی درون حنجره با حرکت و ارتعاش خود صدا ایجاد می‌کنند.

استفاده نادرست از حنجره می‌تواند باعث گرفتگی، التهاب و آسیب‌های دائمی شود.


2. اصول استفاده صحیح از حنجره

•عدم فشار بیش از حد:

خواندن با فشار زیاد، تلاش برای صدای بلند بدون کنترل، باعث آسیب به تارهای صوتی می‌شود.

• تنظیم شدت صدا:

برای تولید صدای بلندتر، بهتر است از افزایش فشار هوا و کنترل تنفس استفاده شود، نه فشار مستقیم به تارهای صوتی.

• خواندن در محدوده راحت: همیشه باید صدای خود را در محدوده‌ای که احساس راحتی دارید بخوانید و از تلاش برای رسیدن به نت‌های خیلی بالا یا پایین به صورت غیر اصولی پرهیز کنید.


3. تمرینات مفید برای حنجره

• آواهای نرم و کشیده مثل “مممم” و “ننن” با صدای ملایم

• تمرینات صوتی در محدوده‌های مختلف گام صدا بدون فشار

• تنفس صحیح و آرام در حین خواندن

 

بخش سوم: بهداشت حنجره برای خوانندگی و جلوگیری از آسیب‌ ها

1. نکات بهداشتی برای محافظت از حنجره

• آب کافی بنوشید:

خشک بودن تارهای صوتی باعث افزایش آسیب می‌شود. نوشیدن آب کافی باعث مرطوب نگه داشتن حنجره می‌شود.

• اجتناب از دود و آلاینده‌ها:

سیگار و آلودگی هوا باعث التهاب تارهای صوتی می‌شوند.

• عدم فریاد زدن و جیغ کشیدن:

این کارها فشار زیادی به تارهای صوتی وارد می‌کنند.

• استراحت دادن به حنجره:

بعد از تمرینات طولانی یا اجراهای سنگین، حنجره باید فرصت استراحت داشته باشد.

• اجتناب از مصرف زیاد کافئین و الکل:

این مواد باعث خشکی گلو می‌شوند.

2. رفتار در مواقع گرفتگی یا آسیب حنجره

• در صورت احساس درد، خشونت صدا یا گرفتگی طولانی، باید بلافاصله استراحت صوتی کنید.

• مراجعه به پزشک متخصص گوش، حلق و بینی ضروری است.

• استفاده از داروها و درمان‌ها فقط تحت نظر پزشک مجاز است.

 

بخش چهارم: پیدا کردن گام صدا (Range) و شناخت صدای خود

1. تعریف گام صدا


گام صدا محدوده‌ای از نت‌هاست که یک خواننده به راحتی و بدون فشار می‌تواند اجرا کند.

گام صدا شامل نت‌های پایین (بیس) تا نت‌های بالا (سوبرانو یا تنور) می‌شود.


2. روش‌های ساده برای پیدا کردن گام صدا

• شروع از نت وسط پیانو یا کیبورد:

نت میانی (C4) را انتخاب کنید و به آرامی نت‌ها را به سمت بالا و پایین اجرا کنید.

• آواز خواندن نت به نت:

به کمک یک ساز یا نرم افزار، نت‌ها را یکی یکی بخوانید تا به نت‌های نامناسب و دشوار برسید.

*اکر در خصوص نت ها اطلاعی ندارد به این مقاله مراجعه کنید

• یادداشت نت‌های راحت:

محدوده‌ای که بدون فشار و ناراحتی می‌توانید بخوانید، گام صدای شماست.
3. اهمیت شناخت گام صدا

• خواندن در گام صحیح، از آسیب به حنجره جلوگیری می‌کند.

• کمک می‌کند تا آهنگ‌ها را در محدوده مناسب برای صدای خود تنظیم کنید.

• باعث بهبود کیفیت اجرا و اعتماد به نفس می‌شود.

 

نتیجه‌گیری
خوانندگی هنری زیبا و ارزشمند است که با رعایت اصول صحیح استفاده از حنجره، تمرینات درست و مراقبت از سلامتی می‌تواند برای تمام سنین لذت‌بخش و بدون آسیب باشد. رعایت نکات بهداشتی و شناخت محدوده صدای خود، از مهم‌ترین عوامل موفقیت و حفظ سلامت صوتی است. همواره با دقت و صبر تمرین کنید و در صورت بروز هرگونه مشکل صوتی، به پزشک متخصص مراجعه نمایید.

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
اجرای آموزشی گیتاله له, بازخوانی ترانه ها, فایل های دانلودی, نوازندگی گیتاله له

اجرای آهنگ پرنده مهاجر

Posted on by محمدتقاضائی
دانلود صوتی

آهنگ «پرنده مهاجر»

یکی از آثار احساسی و ماندگار سیاوش قمیشی است که با صدای خاص و سبک ویژه او، جایگاه ویژه‌ای در دل مخاطبان پیدا کرده. این ترانه یکی از نمونه‌های بارز تلفیق موسیقی پاپ ایرانی با مضامین عمیق و انسانی است. در ادامه، اطلاعات کامل‌تری درباره این آهنگ می‌دهم:

⸻

✍️ شاعر ترانه:

روزبه بمانی

روزبه بمانی یکی از شاعران و ترانه‌سرایان برجسته معاصر است که با قلمی احساس‌برانگیز و اجتماعی شناخته می‌شود. او در این ترانه با نگاهی استعاری به موضوع “مهاجرت، جدایی، و غربت” پرداخته.

⸻

🎼 آهنگساز و تنظیم‌کننده:

سیاوش قمیشی

سیاوش قمیشی، خودش هم ترانه‌سرا و هم آهنگساز است، اما در این اثر، آهنگسازی و تنظیم نیز بر عهده خودش بوده. موسیقی این آهنگ ترکیبی از ملودی‌های شرقی و تنظیمی مدرن است که با صدای دلنشین او هماهنگی کامل دارد.

⸻

🎤 داستان و مضمون ترانه:

ترانه «پرنده مهاجر» از زبان فردی روایت می‌شود که شاهد رفتن و مهاجرت عزیزی است — کسی که دلش را برده اما حالا دارد از وطن، خانه یا رابطه‌ای می‌رود. راوی با حسرت، نگرانی، و دلسوزی با او سخن می‌گوید:

مصرعی که اشاره کردی:

ای پرنده مهاجر، سفرت سلامت
اما به کجا میری عزیزم؟
قفسه تموم دنیا…

در اینجا، “پرنده مهاجر” نماد انسانی‌ست که به‌دلیل فشار، اجبار یا شاید دل‌زدگی، قصد ترک وطن یا زندگی سابقش را دارد. اما راوی هشدار می‌دهد که دنیای بیرون، برخلاف تصورات، ممکن است قفسی بزرگ‌تر باشد.

🔹 قفسه تموم دنیا: استعاره‌ای از این است که شاید آزادی واقعی بیرون از وطن یا این رابطه وجود نداشته باشد و پرنده (مهاجر) هر کجا که برود باز هم در قفسی دیگر گرفتار خواهد شد.
🔹 لحن آهنگ: پر از دلتنگی، واقع‌گرایی تلخ، و احترامی عمیق به انتخاب کسی که در حال رفتن است.

⸻

🎧 پیام کلی ترانه:

این آهنگ به شکلی شاعرانه، به مسائل مهاجرت، جدایی، وطن، و آزادی می‌پردازد. در واقع هم یک هشدار و هم یک وداع عاشقانه است. از آن دست آثاری‌ست که خیلی از مهاجران و دورافتادگان با آن همذات‌پنداری می‌کنند.

C Dm

ای پرنده مهاجر سفرت سلامت اما

Dm C A# C

به کجامیری عزیزم قفسه تموم دنیا

C Dm

روی شاخه های دوری چه خوشی داره صبوری

Dm C A# C

وقتی خورشیدی نباشه تا همیشه سوت و کوری

Am Dm

میگذره روزای عمرت توی جاده های خلوت

Dm C Gm Am

تا بخوای بر گردی خونه گم میشی تو باغ غربت

Am Dm

واسه ما فرقی نداره هر جا باشیم شب نشینیم

Dm C Gm Am

دلخوشیم به این که شاید سحرو یه روز ببینیم

Dm Gm

آخرش یه روزی هجرت

Dm Gm

در خونتو میکوبه

A# C

تازه اون لحظه میفهمی

Dm C

همه آسمون غروبه

Dm Gm

آخرش یه روزی هجرت

Dm Gm

در خونتو میکوبه

A# C

تازه اون لحظه میفهمی

Dm C

همه آسمون غروبه

Am Dm

میگذره روزای عمرت توی جاده های خلوت

Dm C Gm Am

تا بخوای بر گردی خونه گم میشی تو باغ غربت

Am Dm

واسه ما فرقی نداره هر جا باشیم شب نشینیم

Dm C Gm Am

دلخوشیم به این که شاید سحرو یه روز ببینیم

Dm Gm

آخرش یه روزی هجرت

Dm Gm

در خونتو میکوبه

A# C

تازه اون لحظه میفهمی

Dm C

همه آسمون غروبه

Dm Gm

آخرش یه روزی هجرت

Dm Gm

در خونتو میکوبه

A# C

تازه اون لحظه میفهمی

Dm C

همه آسمون غروبه

مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

موسیقی چیست ؟ نت چیست؟

Posted on by محمدتقاضائی

فهرست مطالب

موسیقی چیست؟

موسیقی ترکیبی از صداهاست که به شکلی منظم و هدفمند کنار هم قرار می‌گیرن. این صداها می‌تونن شامل ملودی، هارمونی، ریتم و رنگ صدا (تمبر) باشن.

نت موسیقی چیست؟

موسیقی غربی (و موسیقی ایرانی مدرن) از ۷ نت اصلی تشکیل شده:
دو – ر – می – فا – سل – لا – سی(در زبان بین‌المللی: C – D – E – F – G – A – B)
بعد از نت “سی” دوباره نت “دو” میاد، ولی یک اکتاو بالاتر (یعنی همون نت ولی با صدای بالاتر).

اکتاو چیست؟

هر هشت نت، یک اکتاو رو تشکیل می‌ده.مثلاً اگر از «دو» تا «دو» بعدی حرکت کنیم (دو، ر، می، فا، سل، لا، سی، دو)، این فاصله یک اکتاو نامیده می‌شه.

ریتم چیست؟

ریتم یعنی زمان‌بندی اجرای صداها.مثل ضربان قلب یا راه رفتن.
در موسیقی، زمان‌بندی رو با ضرب (Beat) مشخص می‌کنیم.
مثال ساده: • آهنگایی که باهاشون دست می‌زنیم یا پا می‌کوبیم، دارای ریتم مشخص هستن که ما آنها را با ریتم دست زدنمون همراهی میکنیم به نوعی سوار بر ریتم آهنگ هستیم با همراهیه ناخودآگاه ضرب دستمان .

این موضوع در ما بدیهی شده و مخصوصا در مهمانی ها و با همراهی آهنگ های به اصطلاح عامیانه ، دارای ریتم شاد.

میزان نما چیست؟

میزان (Measure) و میزان نما (Time Signature)
موسیقی به میزان‌هایی تقسیم می‌شه. هر میزان تعدادی ضرب داره.نت ها در هر میزان نشان دهنده زمان بندی هستند البته که در ابتدای خطوط موسیقی (پنج خط حامل که نت ها به روی آن ها سوار می شوند)این میزان نما نوشته می شود.
مثلاً:
4/4 رایج‌ترین نوعه = یعنی هر میزان ۴ ضرب داره.
درام‌ یا ترانه‌هایی که حس قدم‌زدن یا رقص منظم دارن، معمولاً 4/4 هستن.میزان های دیگه هم داریم، مثل 3/4 (مثل والس) یا 6/8 (برای ریتم‌های ایرانی)

عدد بالا تعداد است یعنی تعداد نت موحود در هر میزان

و عدد پایین مبنا است که تعداد نت موحود در هر میزان بر مبنای آن بوده

به عنوان مثال 4/4 

4 بالا تعداد نت در هر میزان

و 4 پایین مبنای نت که منظور همان تقسیم بندی 1/4 از کل می باشد .یعنی نت سیاه.

پس میخوانیم 4 به روی 4

یعنی 4 نت سیاه در هر میزان

مثالی دیگر

6/8 ریتم بسیار معروفی که ما اگثرا در موسیقی ایرانی و اکثر موسیقی هایی که فضای شادی به نوعی دارند استفاده می شوند

6بالا تعداد نت در هر میزان

و 8 پایین مبنای نت که منظور 1/8 از کل است، همان نت چنگ

پس میخوانیم 6 نت چنگ در هر میزان.

ملودی چیست؟

ملودی ترکیبی از نت‌های پشت سر هم با ترتیب خاصه که معمولاً قابل خوندن یا زمزمه کردنه.
مثلاً وقتی ترانه‌ای توی ذهنت زمزمه می‌کنی، اون ملودیشه.

البته اگر به زبان موسیقی بخواهیم بگوییم ملودی باید در قالب یک گام قرار بگیرد تا چیدمان درستی داشته باشد و اگر نتی خارج از گام یا به نوعی تنالیته مربوطه باشد در اصطلاح میگوییم آن نت فالش است و خارج از تنالیته اجرا شده است.

تفاوتی ندارد ساز ملودی را اجرا کند یا خواننده در قالب کلام ملودی را اجرا کند.

که اگر نتی را خارج از تنالیته اجرا کند در اصطلاح میگوییم خواننده فالش میخواند.

 

هارمونی چیست؟

ریشه در کلماتِ یونانی دارد و در مُحاوره یا فلسفه، هارمونی را «تناسب» معنا می‌کنند. از نظرِ ریشه‌ای هارمونی به معنای وحدت و هماهنگی است و بیانگرِ یگانگی در اجزا و تشکیل یک واحدِ کل است. هارمونی فرایندی از ترکیبِ صداهای فردی است که با شنیدن همزمانِ آن‌ها تحلیل می‌شود. مفهوم هارمونی به‌طور معمول با شنیدن همزمان بسامد، وسعت صوتی، رنگ صدا، نت‌ها یا آکورد رخ می‌دهد. در موسیقی قرون وسطی، برداشت از هارمونی مربوط به دوصدا از حرکت موازیِ بخش‌ها به فاصلهٔ چهارم یا پنجم بود و در دورهٔ رنسانس برای سه‌صدا تغییر یافت. با توسعهٔ موسیقی پولیفونیک، ترکیب و استفاده از فواصل سوم و ششم نیز رواج یافت و دانش کنترپوان در دورهٔ باروک به اوج شکوفایی رسید و منجر به پیدایش هارمونی شد. در این دوره ژان فیلیپ رامو نخستین کسی بود که رسالهٔ هارمونی را به نگارش درآورد.

علم هماهنگی یا هارمونی، اغلب به جنبهٔ عمودی موسیقی اشاره دارد و متمایز از حرکتِ افقی و ملودیک است. نقطهٔ مقابلِ آن کنترپوان قرار دارد که رابطهٔ بین خطوطِ ملودیک و چندصدایی مستقل را بیان می‌کند و گاهی تفاوت آن را با هارمونی مشخص می‌کند. در موسیقی پاپ و جاز، آکوردها توسط پایهٔ آن نام‌گذاری می‌شوند، به‌اضافهٔ اصطلاحات و علائمی که ویژگی‌های آکورد را نشان می‌دهد. در بسیاری از انواعِ موسیقی مانند: موسیقی باروک، رمانتیک، مدرن و جاز، با اضافه کردنِ صداهای تنش‌زا، باعث تقویت آکورد شده که فاصله‌ای ناخوشایند نسبت به نتِ باس دارد. در دوران قواعد مشترک این صداها می‌بایست طبق قواعدی تهیه و حل شوند تا گوش بتواند تعادل بین تنش و سپس آرامش را در آن لحظه احساس کند.

آکورد (Chord) چیست؟

آکورد ترکیب هم‌زمان حداقل چند نت مختلف که البته در تنالیته باشند و  البته دارای هارمونی باشند.

مثلاً آکورد دو ماژور (C Major) از این نت‌ها ساخته شده:
دو (C) + می (E) + سل (G)
آکوردها می‌تونن: • ماژور باشن (به زبان عامیانه و ساده فضای انرژی بخش  و روشن داشته باشند)

• مینور باشند (در زبان عامیانه فضای پایین رونده القا کنند و اندکی سردی را به همراه داشته باشد)

*معمولا در موسیقی ایرانی برای نزدیکی بیشتر به حال و هوای موسیقی سنتی از آکوردهای مینور بیشتر استفاده میشود.البته که در دستگاه های موسیقی ایرانی همچون ماهور و راست پنجگاه از اکوردهای ماژور هم استفاده میشود.اما به طور کلی بیان شد.
⸻

آکوردها به منظور ایجاد هماهنگی و تقویت ملودی استفاده می‌شوند و برای هر کدام از آنها «نقش» و درجهٔ ویژه‌ای در گام موسیقی در نظر گرفته می‌شود تا به همراه صداهای فرعی و نت‌های زینت، قوی‌ترین و همخوان‌ترین هارمونی ایجاد گردد.سیر تحولِ چندصدایی به موسیقی قرون وسطی و کلیسایی برمی‌گردد. در آن زمان موسیقی یک‌صدایی به دوصدایی و سپس صداهای بیشتری در طی قرون به آن اضافه شد و در نهایت به قواعدی رسیدند و نام آن را کنترپوان نهادند. با پیشرفت تکنیکهای کنترپوانتیک که حرکت افقی صداها را در نظر داشت، دانش هارمونی شکل گرفت که به حرکت عمودی و به تکنیک‌های وصل آکورد می‌پرداخت. آکوردها و شیوهٔ وصل آنها در پی تحول و تکامل هارمونی دچار تغییرات و تکنیکهای جدیدی در گام‌های دیاتونیک و کروماتیک شدند. در موسیقی قرن بیستم، کاربرد آکورد در هارمونی با تغییرات بنیادی همراه شد و مکاتب جدیدی در موسیقی مدرن به وجود آمد.

فواصل (Interval)

فاصله یعنی اختلاف بین دو نت.مثلاً فاصله بین «دو» و «می» یک فاصله سومه.
شناخت فواصل بسیار مهم است چون باعث ساختن آکورد، ملودی و هارمونی می‌شود

فاصله، یا بُعد در موسیقی امروزه به مفهوم فاصله مابین دو نت (نت‌های موسیقی) با توجه به نسبت فرکانس موجود بین آن‌ها است.این همان چیزی است که به صورت اختلاف بین دو صدای موسیقایی خود را نشان می‌دهد و گوش قادر به تشخیص آن می‌باشد؛ مثلاً اختلافی که گوش بین دو نت دو و ر ادراک می‌کند.

 

مثال از فاصله‌های ملودیک و هارمونیک به ترتیب: سوم، چهارم، پنجم و اکتاو

گام (Scale) چیست؟

گام مجموعه‌ای از نت‌هاست که به ترتیب خاصی چیده شدن.
مثلاً: • گام دو ماژور:
دو – ر – می – فا – سل – لا – سی – دو


• گام لا مینور (A minor):
لا – سی – دو – ر – می – فا – سل – لا
هر گام یه حال و هوای خاص داره. گام‌ها پایهٔ آهنگسازی هستن.

 

توالی چند نت است که به ترتیب ارتفاع مرتب شده‌اند و گستره صوتی‌شان جمعاً دوازده نیم‌پرده متساوی یا یک اکتاو است.

گام ممکن است بالارونده یا پایین‌رونده باشد،(ماژور یا مینور) یعنی ارتفاع نت‌ها در آن به ترتیب صعودی یا نزولی مرتب شده‌باشد.

در موسیقی کلاسیک گام‌ها با استفاده از نیم‌پرده‌های مساوی تعریف می‌شوند و فواصل کوچکتر از نیم‌پرده (یا ریزپرده) در گام‌های موسیقی کلاسیک وجود ندارند. در موسیقی برخی مناطق دنیا، از جمله موسیقی سنتی ایرانی، ترکی و عربی فواصل کوچکتری نظیر ربع پرده نیز به کار می‌روند.

 

گام به‌طور کلی به دو دسته تقسیم می‌شود:

  1. گام‌های کروماتیک
  2. گام‌های دیاتونیک

گام‌های کروماتیک

این گام، با آغاز از هر نت (دو, ر, می, … ) به فاصله‌های نیم‌پرده‌ای، (هم نیم‌پردهٔ دیاتونیک و هم نیم‌پردهٔ کروماتیک) به ترتیب نت ها را طی کرده و به تدریج بالا می‌رود تا زمانیکه به  “اکتاو” برسد، برای مثال, اگر از نت سل (جایگاه نت: روی خط دوم) شروع کنیم، با طی کردن نیم پرده‌ها به نت سل دربالای خط پنجم می‌رسیم و بدین طریق گام کروماتیک سل را تشکیل میدهیم.

گام کروماتیک خود بر دو گونه است:

_کروماتیک ملودیک

_کروماتیک هارمونیک

گام دیاتونیک

از آنجا که فاصلهٔ میان نت ها در گروه گام‌های دیاتونیک یکدست و برابر نیست، و از آنجا که الگوی قرارگرفتن این فاصله‌ها در هر چیدمان با چیدمان دیگر متفاوت است، این گروه انواع گوناگونی را میتواند دربر بگیرد.

دریک رده‌بندی کلی، گام‌های مزبور به دو بخش بزرگ تقسیم می‌شوند، بخش اول، آن دسته از گام‌ها را شامل است که فاصلهٔ میان نت های متوالی, از فاصله‌های دوگانهٔ پرده و نیم‌پرده تشکیل شده و بخش دوم، گام هایی را تشکیل میدهد که به جای یک فاصله, از فاصله‌های پرده, نیم‌پرده, یک‌ونیم پرده، یا فاصله(ها) ی دیگری میان نت های خود داشته‌باشند.

 

چطور یاد بگیریم؟

1. نت‌خوانی ساده یاد بگیر  (حتی فقط جای نت‌ها روی خطوط حامل)

2. ضرب و ریتم تمرین کن (با کف زدن یا نرم‌افزار مترونم)

3. ملودی‌های ساده تحلیل کن (مثل آهنگ‌های کودکانه یا محلی)

4. اگر سازی داری (مثل پیانو،کیبورد، گیتار یا گیتاله له)، از روی همین مفاهیم تمرین کن

 

اگه سوالی داشتی یا علاقمند بودی بیشتر یاد بگیری حتما توی کامنت ها مطرح کن ، حتما پاسخ داده میشه.

موفق باشی

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
اجرای آموزشی گیتاله له, بازخوانی ترانه ها, فایل های دانلودی, نوازندگی گیتاله له

اجرای آهنگ باران تویی…

Posted on by محمدتقاضائی
 گروه چارتار (Chaartaar)
 
گروه موسیقی چارتار مجموعه‌ای ایرانی‌ست که در سال ۱۳۹۰ (۲۰۱۱ میلادی) توسط آرمان گرشاسبی (خواننده)، آرش فتحی (آهنگساز)، احسان حائری (شاعر) و آیین احمدی‌فر (تنظیم‌کننده) شکل گرفت. سبکشان ترکیبی (فیوزن) از موسیقی سنتی ایرانی و تنظیم‌های الکترونیک و مدرن است  
•نام گروه از ساز کهنی به نام «چارتار» برگرفته شده: همانند چهار سیم که هارمونی ایجاد می‌کنند، هر عضو صدای خودش را دارد و وقتی کنار هم می‌نشینند، ترکیبی زیبا خلق می‌شود  
•تا امروز سه آلبوم منتشر کرده‌اند:
•باران تویی (۲۰۱۳/۱۳۹۲)
•جاده می‌رقصد (۲۰۱۵)
•دریا کجاست؟ (۲۰۱۸)  
•کنسرت‌هایی در ایران، کانادا و اروپا اجرا کرده‌اند؛ در اروپا اجراهایی در شهرهایی مانند لندن، منچستر و استکهلم داشته‌اند 
•در سال ۱۴۰۲، آرمان گرشاسبی از گروه جدا شد و فعالیت مستقلش را ادامه داد.  
آهنگ «باران تویی (You are the Rain)»
•این قطعه یکی از شناخته‌شده‌ترین آثار گروه است و در آلبوم اول «باران تویی» منتشر شد (۲۰۱۳/۱۳۹۲)  
•ترانه آن سروده‌ی احسان حائری است و اجرای اصلی توسط آرمان گرشاسبی انجام شده است. تنظیم دستگاهی و ارکسترال دارد و در برخی نسخه‌ها آرش فتحی نیز گویندگی داشته  
•مضمون شعر احساسی و عاشقانه است، ترکیبی از اشتیاق و دلتنگی؛ با استعاره باران برای حضور دلنشین معشوق:
«باران تویی به خاک من بزن، بازآ ببین که…»
«به لب رسیده جان کجایی کجایی…»  
•با انتشار این قطعه، چارتار به جمع گروه‌های مطرح موسیقی تلفیقی ایران پیوست و جایزه‌هایی از جمله آلبوم و قطعه برتر در سبک فیوزن موسیقی دریافت کردند  
 
⸻
 
چرا «باران تویی» خاص است؟
•نخستین تجربه‌ی موفق تلفیق صدای کلاسیک ایرانی با تنظیم مدرن الکترونیک بود؛ سبکی که پیش‌تر کمتر در ایران رواج داشت  
⸻
 

C Am C Am

از آســـــــمانم… ماتم ببــــــــارد

Am D C Am

هراس بى تو ماندنم ادامه دارد

C Am َC Am

نمی‌نویــــسم… ترانه بــــــى تو

Am D C Am

چگونه پرکشد خیال واژه بى تو

D Gm Cm D

به لب رسیده جان کجایى … کجایى

Gm

که برده طاقتم جدایى

Gm D Cm

باران تویی، به خاک من بزن … بازا ببین،

Gm D

که بى مه تو من هوای پر زدن ندارم

D Cm

باران تویى، به خاک من بزن

Gm D Gm

بازا ببین، که در ره تو من نفس بریده در گذارم

C Am C Am

مگرندانـــــى… چو از تو دورم

Am D C Am

بی ‌راهه‌اى خموش و تار، بى عبورم

C Am C Am

نمی‌توانـــــم… دگر برویـــــــم.

Am D C Am

که من اسیر این خزان توبه‌تویم

Gm D Gm Cm D

به لب رسیده جان کجایى … کجایى … رهى نمانده تا رهایى

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

آموزش تئوری موسیقی

Posted on by محمدتقاضائی

آموزش تئوری موسیقی

فهرست مطالب

نظریه اساسی موسیقی چیست؟

تئوری موسیقی مطالعه ای است که به ما امکان می دهد زبان موسیقی را متوجه شویم. این مجموعه دستورالعمل ها و شیوه هایی است که برای تشخیص راه های مختلف بیان احساسات با صدا، استفاده می شود.

تئوری موسیقی همچنین به ما کمک می کند تا آهنگ های موسیقی را تفسیر کنیم و با سایر نوازندگان ارتباط برقرار کنیم. در کنار آن بتوانیم در ایجاد یا اجرای موسیقی اعتماد به نفس داشته باشیم.

یادگیری تئوری اساسی موسیقی نیز برای تقویت خلاقیت و ایجاد یک حس آگاهی از موسیقی بسیار ضروری است. این مجموعه ای از مهارت های چالش برانگیز اما با ارزش برای یادگیری است. دانستن چگونگی کار موسیقی باعث می شود روند تولید موسیقی ساده تر شود و به شما کمک کند در تهیه موسیقی موفق باشید.

این راهنمای آموزش تئوری موسیقی به زبان ساده به بررسی امضاهای کلیدی، نقاط ، فواصل، مقیاس ها، آکورد و سایر اصول موسیقی می پردازد. هم چنین بینشی در مورد سازه های اساسی موسیقی ایجاد می کند که هماهنگی، ملودی و ریتم را تشکیل می دهند.

الفبای موسیقی

الفبای موسیقی از هفت حرف تشکیل شده است:

  • A
  • B
  • C
  • D
  • E
  • F
  • G

هر نت دارای یک سطح منحصر به فرد است.

کلید ها

کلیدها جز اساسی ترین نمادهای موسیقی هستند که نوع صدا را از نظر بم یا زیر بودن، بر روی خطوط حامل را برای ما مشخص می کنند. ما در تئوری موسیقی سه نوع کلید داریم:

کلید سل یا G (Sol)

کلید سل معمولا بر روی خط دوم حامل واقع شده اند و یکی از معروف ترین کلیدهای موسیقیایی است. سازهای زیر با این کلید نت نویسی می شوند:

  • ویولن
  • گیتار
  • فلوت و…

کلیدهای دیگر بعد از جای گذاری کلید سل به ترتیب حروف الفبا نام گذاری

می شوند. جدا از این ها باید بگوییم که کلید G، خیلی کم پیش می آید که بر روی خط حامل یک قرار بگیرد.

 

کلید دو یا C

محل قرارگیری این کلید بر روی خطوط حمل به صورت زیر می باشد:

  1. یک (سوپرانو)
  2. دو (متسو سوپرانو)
  3. سه (آلتو)
  4. چهار (تنور)

نتی که در این بازه در نظر گرفته ایم C4 می باشد.

نکته ای که باید در نظر بگیرید این است که قرارگیری کلید ها در حال حاضر به صورت زیر می باشد:

  • کلید سل خط حامل دو
  • کلید فا خط حامل چهارم
  • کلید C خط حامل سوم و یا چهارم

سایر کلیدهایی که استفاده می شوند، صرفا جهت تئوری هستند و یا اینکه کمتر پیش می آید که از آنها استفاده کنند.

ما در شکل زیر محل قرارگیری نت C4 را بر روی خط حامل در کلیدهای گوناگون، مشخص کرده ایم.

فواصل

بین دو نت چندین فواصل مختلف وجود دارد. این فواصل را با تعداد نیمی از مراحل، کل مراحل و موقعیت آن ها در مقیاس اندازه می گیریم. فاصله نیم مرحله ای یک نیم قطعه است. یک فاصله کامل از دو مرحله است. دو مرحله نیم ضرب کامل است.

فواصل پایه و اساس هماهنگی و ملودی است. پخش دو یا چند نت به طور همزمان فواصل هارمونیکی (آکورد) ایجاد می کند. پخش یک نت واحد یکی پس از دیگری فواصل ملودیک (ملودی ها) را ایجاد می کند.

ما فواصل را با تعداد (فاصله) و پیشوند توصیف می کنیم. عدد فاصله تعداد نیم مرحله بین دو نت را نشان می دهد. بازه ها همچنین با استفاده از یک پیشوند توصیف می شوند.

نت ها را برای اندازگیری زمان کشش صداها، استفاده می کنند. برای همین کار شکل نت ها، اندازه ی ادامه پیدا کردن هر صدا را مشخص می کند.

برای مثال: نت گرد به نوازنده می فهماند که صدا باید 4 قدم ادامه پیدا کند. البته باید رفت و برگشت را در نظر داشته باشید. پس از آن که 4 ضرب طول کشید که صدا تولید شود، باید از ادامه پیدا کردن صدا جلوگیری کنید.

ضرب و یا بیت (tempo)

به هر رفت و برگشتی که مترونوم و یا ضرب پا ایجاد می کند، یک قدم یا ضرب می گوییم. هر قدمی که برای تولید صدا انجام می گیرد، ضرب و یا بیت گفته می شود. سرعت و تمپویی که برای قدم ها در یک بازه در نظر می گیرد، باید کاملا یکسان باشد.

سرعت هایی که برای هر ضرب ادا می شود، در ابتدا برای شما مشخص خواهد شد که با چه tempo باید روند تولید صدا را دنبال کنید.

سکوت ها

نکته ای که وجود دارد این است که، سکوت ها نیز مانند نت ها داری زمان بندی هستند. هر سکوت زمانبندی و ضرب خود را دارد و به نوازنده می فهماند تا چه اندازه باید بین نت ها مکث و سکوت نماید. ارزش های زمانی را بعدها برای شما معرفی خواهیم کرد.

مقیاس ها و حالت های موسیقی

مقیاس های موسیقی پایه های اساسی موسیقی هستند. درک مقیاس های موسیقی و عملکرد آنها هنگام یادگیری تئوری، بسیار اساسی و ضروری است. در این بخش به بررسی دو مقیاس رایج، درجه مقیاس آنها و هفت حالت موسیقی می پردازیم.

یک مقیاس در آموزش تئوری موسیقی به زبان ساده چیست؟

مقیاس موسیقی مجموعه ای از نت ها در یک اکتاو است. روابط فاصله صعودی یا نزولی در میان نقاط نت، هر مقیاس را تعریف می کند. نت ها از مقیاس، برای شکل گیری ملودی و هارمونی استفاده می شود.

مقیاس های مختلفی وجود دارد. دو نوع اصلی مقیاس اصلی و مقیاس جزئی هستند. شما می توانید مقیاس های عمده و جزئی را از هر نت بسازید. نحوه ساخت آنها به الگوی فواصل زمانی که شما استفاده می کنید بستگی دارد.

حالت های موسیقی

حالت های موسیقی مقیاس هایی هستند که از مقیاس اصلی گرفته شده اند. هفت حالت موسیقی وجود دارد. هر حالت یک تغییر جزئی از مقیاس است. آنها از تمام نت های مشابه و الگوهای فاصله به عنوان مقیاس اولیه استفاده می کنند. تفاوت اصلی، نت پایه است که برای ساخت مقیاس استفاده می شود.

هفت حالت (مد ها و مقام های کلیسایی)موسیقی عبارتند از:

  1.  Ionian – I
  2. dorian – ii
  3. Phrygian- iii
  4. Lydian – IV
  5. mixolydian – V
  6. Aeolian – vi
  7. Locrian – vii

در پایان توجه داشته باشید که هیچ یک از این مقالات به تنهایی کامل نیستند، در اینجا به قسمتی کوتاهی ازتئوری موسیقی پرداختیم با مطالعه سلسله مقالات در مجموعه تئوری موسیقی و همچنین استفاده از آموزش های موسیقی در سایت روند یادگیری و آموزش این مبحث را رفته رفته بهبود می دهیم.

امیدوارم با دنبال کردن بقیه مطالب سایت و مقالات به جمع بندی خوبی از آموزش موسیقی و لذت بردن ازین هنر شگفت انگیز دست یابید.

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
اجرای آموزشی گیتاله له, بازخوانی ترانه ها, فایل های دانلودی, نوازندگی گیتاله له

اجرای آهنگ مینای دل

Posted on by محمدتقاضائی

ترانه‌ی معروف «مینای دل» ابتدا با صدای ماندگار ‌هایده در سال ۱۳۵۶ منتشر شد. این اثر یکی از زیباترین اجراهای او در سبک او  است. متن این ترانه را هما میرافشار سروده و آهنگسازی و تنظیمش به عهده انوشیروان روحانی بوده است

⸻

 دربارهٔ هایده و همکاری با هما میرافشار و انوشیروان روحانی
• هما میرافشار (متولد ۴ اسفند ۱۳۱۵) ترانه‌سرا و شاعر ایرانی‌ست که ترانه‌هایی برای هایده، مهستی، حمیرا و دیگر ستاره‌های موسیقی پاپ.

• انوشیروان روحانی آهنگساز و تنظیم‌کننده صاحب‌نام است که برای طیف گسترده‌ای از آثار هایده، از جمله «مینای دل»، ملودی‌هایی ملیح و به‌یادماندنی ساخته 

⸻

 محتوای ترانه و تم احساسی

متن آغازین این ترانه گویاست:

خودم تنها تنها دلم چو‌شام بی‌فردا دلم
چو کشتی بی‌ناخدا به سینه دریا دلم

شاعر با استفاده از تصویر «شیشه‌ی مینا» که نماد ظرافت و شکنندگی‌ست، روایت دل افسرده و رنجور را وصف می‌کند. ترانه غم جدایی، حس تنهایی و بی‌کسی دارد و از فراق و بی‌وفایی عاشق می‌گوید .

⸻

 چه چیزی این اثر را ویژه می‌کند؟
1. شعر هما میرافشار: استفاده از خلق تصاویر قوی و زبانی شاعرانه که حس عمیق تنهایی و شکنندگی را منتقل می‌کند.
2. آهنگسازی انوشیروان روحانی: طراحی ملودی‌ای که با کلامی احساسی هم‌راستا و مکمل است.

📝 جمع‌بندی
• ترانه‌سرا: هما میرافشار
• آهنگساز/تنظیم‌کننده: انوشیروان روحانی
• نخستین اجرا: هایده (۱۳۵۶)

 

G7 F Dm

خودم تنها تنها دلم‌

G7 F Dm

چو شام بی فردا دلم‌

A# G7 F Dm

چو کشتی بی ناخدا‌

G

به سینه دریا دلم

Dm F

به سینه دریا دلم

G7 F Dm

تو ای خدای مهربان‌

G7 F Dm

تو ای پناه بی کسان‌

A# G7 F Dm

به سنگ غم مشکن دگر‌

G

چو شیشه مینا دلم

Dm F

چو شیشه مینا دلم

Dm G Dm Cm Dm

G A# G A# Gm

Dm D# A#

G G# G

تو هم برو ای بی وفا

Dm Cm G

مبر بر لب نام مرا

G G# G

دل تنگم بیگانه شد

Dm Cm G

نمیخواهد دیگر تورا

G7 F Dm

نشان من دیگر مجو

G7 F Dm

حدیث دل دیگر مگو

A# G7 F Dm

دلم شکسته زیر پا

G

نمیخواهد دیگر تورا

Dm F

نمیخواهد دیگر تورا

G7 F Dm

تو ای خدای مهربان‌

G7 F Dm

تو ای پناه بی کسان‌

A# G7 F Dm

به سنگ غم مشکن دگر‌

G

چو شیشه مینا دلم

Dm F

چو شیشه مینا دلم

…………………………

G G# G

تو هم برو ای بی وفا

Dm Cm G

مبر بر لب نام مرا

G G# G

دل تنگم بیگانه شد

Dm Cm G

نمیخواهد دیگر تورا

G7 F Dm

نشان من دیگر مجو

G7 F Dm

حدیث دل دیگر مگو

A# G7 F Dm

دلم شکسته زیر پا

G

نمیخواهد دیگر تورا

Dm F

نمیخواهد دیگر تورا

G7 F Dm

تو ای خدای مهربان‌

G7 F Dm

تو ای پناه بی کسان‌

A# G7 F Dm

به سنگ غم مشکن دگر‌

G

چو شیشه مینا دلم

Dm F

چو شیشه مینا دلم

{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
بازخوانی ترانه ها, فایل های دانلودی, نوازندگی گیتاله له

اجرای آهنگ رفتی(ای که رفته با خود)

Posted on by محمدتقاضائی
توضیحات کامل و جامعی درباره‌ی تصنیف
«رفتـی (ای که رفته…)»
از ساخته‌های استاد همایون خرم:
 
⸻
 
•شاعر: رحیم معینی کرمانشاهی
•قافیه‌های زیبا و بی‌تکلف، بازتاب‌دهنده‌ی حال‌وهوای عاشقانه و دلتنگی است 
•آهنگساز: استاد همایون خرم
•یکی از تأثیرگذارترین آهنگسازان معاصر موسیقی ایرانی، با سبک منحصر به فرد که همیشه مورد تحسین بزرگان موسیقی بود؛ آثارش سراسر نوآوری‌اند
 
⸻
خوانندگان برجسته
•بانو الهه: احتمالا نخستین کسی که این تصنیف را اجرا کرد.
نسخه‌های قدیمی با صدای او ضبط شده‌اند و
توسط محمد اصفهانی و علی زند وکیلی بازخوانی شد 
⸻
 
🎼 متن و مضمون ترانه
 
متن تصنیف یک روایت عاشقانه است از درد جدایی، بی‌وفایی و انتظار با امید بازگشت:
 
«ای که رفته با خود دلی شکسته بردی… رفتی و ندیدی که بی‌تو شکسته بال و خسته‌ام… وای من اگر نیایی» 
 
این ابیات با صد تکرار، عمق اندوه و حسرت را به زیبایی منتقل می‌کنند.
 
⸻
 
📚 داستان ترانه
•سرآغاز این ترانه به نسخه‌ای برمی‌گردد که توسط بانو الهه خوانده شده و از آن پس چندین خواننده آن را بازخوانی کرده‌اند، از جمله محمد اصفهانی، علی زند وکیلی، هوشمند عقیلی و امیرحسین افتخاری 
 
 
•دلیل محبوبیت ماندگار این قطعه، تلفیق بی‌نقص شعر عاشقانه‌ی معینی کرمانشاهی با ملودی دلنشین و غنی استاد خرم هست.
•نسخه‌های جدید، با تنظیم‌های تازه حال‌وهوای نو به این اثر بخشیده‌اند  .
 
⸻
 
اولین و کمیاب‌ترین نسخه از تصنیف «رفتی» (ای که رفته)، با صدای بانو الهه (بهار غلامحسینی)، یکی از نسخه‌های اصلی و ابتدایی این اثر است:
 
⸻
 
🎙️ اجرای اولیه با صدای بانو الهه
•بانو الهه، یکی از خوانندگان مطرح موسیقی سنتی ایران و از شاگردان عبدالله دوامی و غلامحسین بنان، نخستین اجرای رسمی تصنیف «رفتی» را اجرا کرد 
•این اجرا در دستگاه بیات اصفهان به آهنگسازی استاد همایون خرم و با شعر رحیم معینی کرمانشاهی ضبط شد، احتمالاً اوایل دهه ۱۳۴۰ یا ۱۳۵۰ خورشیدی. 
•الهه در رادیو ایران (برنامه گل‌ها) بیش از پانزده سال فعال بود. چندین اثر به آهنگسازی خرم همراه صدای او منتشر شدند و «رفتی» نیز از جمله آنها بود
 
⸻
 
سخه‌های کمتر شناخته‌شده یا بازخوانی‌شده
1.نسخه شخصی استاد خرم و الهه در تمرین‌ها
•استاد خرم زمانی گفته است که به صدای بانو الهه «زمزمه» کرده تا ایشان ملودی را یاد بگیرد. پس از مهاجرت الهه در سال 1357، این قطعه تقریباً فراموش شد تا اینکه در دهه ۶۰ نسخه‌ای غیررسمی توسط یکی از بستگان استاد به ایران بازگشت
2.بازپخش و توجه مجدد در دهه ۶۰
•حدود سال‌های ۱۳۶۴‑۱۳۶۵، خواهرزاده استاد که از آلمان بازگشته بود، نسخه قدیمی را پخش کرد. استاد خرم شیفته اجرای آن شد و تعجب کرد که خودش آهنگ را فراموش کرده است!  
3.بازخوانی‌های رسمی‌تر در دهه اخیر
•در سال ۱۴۰۰، برنامه «با کاروان شعر و موسیقی» از رادیو فرهنگ نسخه‌های بازخوانی‌شده توسط علی زند وکیلی، سالار عقیلی و مصطفی جلالی‌پور را بررسی و پخش کرد  
 
 
 
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.singularReviewCountLabel }}
{{ reviewsTotal }}{{ options.labels.pluralReviewCountLabel }}
{{ options.labels.newReviewButton }}
{{ userData.canReview.message }}
مقاله آموزش موسیقی, مقاله ها

آموزش نت خوانی

Posted on by محمدتقاضائی

آموزش نت خوانی

فهرست مطالب

نام نت ها

آموزش نت خوانی برای همه صداهای موسیقایی از بم ترین تا زیر ترین آنها فقط هفت نام وجود دارد این نام های هفت گانه در برخی کشورهای غربی با کلمات تک هجایی و در برخی به صورت الفبایی به شرح زیر تلفظ می‌شوند:

(نام ها را از چپ به راست بخوانید) 

Do – Re – Mi – Fa – Sol – La – Si

C – D – E – F – G – A – B

نام گذاری هجایی

در تصویر بالا نام نت هایی که در زبان موسیقی کاربرد دارد آورده شده و این شکل به ما کمک میکند نت ها را بهتر به خاطر بسپاریم

حرکت دوار به سمت چپ یا معکوس گردش نت ها ثابت است یعنی چه بخوانیم دو-ر-می-فا-سل-لا-سی یا عکس آن دو-سی-لا-سل-فا-می-ر-دو 

تمرینی بسیار عالی و کاربردی برای حفظ نت های اصلی

توجه داشته باشید که چیدمان اصلی نت ها تحت هر شرایطی به این صورت است و ازین قائده خارج نیست.

پس بهتراست این چیدمان را حفظ کنیم

DO     RE     MI    FA    SOL     LA     SI

نام نت ها در زبان فارسی نیز از نامگذاری هجایی گرفته شده است

که شیوه نت خوانی ما برگرفته شده ازشیوه آموزش موسیقی فرانسوی

“آلفرد ژان باتیست لومر”

*این نت ها با فرض اینکه کلید مربوطه “سل” است نوشته شده،در ادامه در مورد کلید ها صحبت میکنیم.

نام گذاری الفبایی

C       D       E        F       G         A       B

آموزش نت خوانی و نامگذاری هجایی با نوت DO و نامگذاری الفبایی با حرف A، نت (LA) آغاز می‌شود.

در نظام قدیمی‌تر هجایی به جای نوت DO هجایUT)) اوت به کار می‌رفته است در برخی از روش های نت خوانی جدید هجای سی(SI ) را  تی  میگویند.

و در نام گذاری الفایی که بیشتر متداول است و در بیشتر نقاط دنیا ازین شیوه نوشتاری و نت خوانی استفاده میشود حتی به نحوی که در اکورد ها و شناسایی گام و تنالیته یک قطعه از این حروف استفاده می کنند.

حالت نمایشی که نت ها را میخوانند بدین صورت است.

*دلیل شروع نت ها از نت A یا همان لا ریشه در یونان باستان و شیوه کوک متداول بوده است ,امروزه برخی از سازها نظیر ویولن هم شروع کوک و آموزش  از سیم لا می باشد.

ریشه تاریخی نظام های هجایی و الفبایی

نظام هجایی همان که در کشورهای ایتالیا و فرانسه (و نیز در ایران به پیروی از نظام فرانسوی) معمول است ، در قدیم بر اساس تئوری موسیقی قرون وسطایی از ۶ حجا تشکیل می‌شده:

UT        RE         MI       FA        SOL         LA

هجاهای شش گانه را کشیشی موسیقیدان از اهالی فرانسه و مقیم ایتالیا به نام گویدو آرتسو (Guido d Arezzo) (1050-990)  از شعر مناجات گونه زیر که آهنگ آن را احتمالاً خود ساخته بود برگزید و آن را به خاطر سهولت از بر کردن اصوات موسیقی و درک زیر و بمی‌شان نسبت به هم، به شاگردان و سرایندگان خویش می‌آموخت:

ut queant laxis resonare fibris mira gestorum famuli tuorum solve poluti labireatum sancte johannes

در قرن‌های بعد که نظام شش نتی گسترش یافت و به هفت نت امروزی رسید، هجای سی بر آن افزوده شد و نیز هجای اوت که در نت خوانی دشوار بود به هجای دو بدل گشت.

در نظام الفبایی به تبعیت از تئوری موسیقی یونان باستان و کوک ساز های آن زمان نت لا مبدا قرار گرفته و نتها بر طبق همان تئوری با هفت حرف آغازین الفبای لاتین نامگذاری شده اند:

A      B      C       D      E      F       G

سل    فا     می      ر      دو     سی    لا

این نظام را کشورهای انگلیسی زبان ( انگلستان و آمریکا ) آلمانی‌زبان ( آلمان و اتریش ) پذیرفته اند و به کار میبرند اما میان این دو گروه کشورها ، اختلاف هایی در نحوه نامگذاری به چشم می‌خورد.

برای نگارش نتهای موسیقی از پنج خط به نام پنج خط حامل استفاده میشود که پنج خط موازی هستند که در بین آنها به طور طبیعی چهار فضای خالی ایجاد میگردد و نتها را میتوان بین خطوط و یا روی خطوط قرار داد:

در شروع پنج خط حامل کلید موسیقی قرار میگیرد که بسته به اینکه چه سازی مینوازیم، میتواند نام و شکل متفاوتی داشته باشد. برای ساز گیتاله له یا دست راست پیانو از کلید سل استفاده میشود و کلید سل در اول پنج خط حامل سمت چپ قرار میگیرد ( ما در موسیقی نتها را از چپ به راست میخوانیم.

سر کلید در موسیقی

کلید (به فرانسوی: Clef) یک نشانه موسیقی است که برای تعیین زیرایی نت‌های نوشته شده بکار می‌رود. روی یکی از خطوط در اول حامل قرار گرفته، نام و زیرایی نت‌هایی را که روی آن خط واقع شده تعیین می‌کند. این خط به عنوان نقطه راهنما برای تعیین اسامی نتها روی هر یک از خطوط یا بین خطوط استفاده می‌شود. فقط یک کلید استفاده می‌شود که به جای خطوط به فواصل میان خطوط اشاره می‌کند.

سه نوع کلید در نت‌نویسی موسیقی مدرن بکار می‌رود: کلید دو، کلید فا و کلید سل. هر یک از کلیدها تعیین‌کننده نت متفاوتی برای خطی هستند که روی آن قرار می‌گیرند.

هرگاه یکی از این کلیدها روی یکی از خطوط حامل قرار گرفت، بقیه خطوط و میان خطوط با توجه به رابطه‌ای که با آن دارند خوانده می‌شوند.

استفاده از سه کلید مختلف نوشتن موسیقی برای تمامی صداها و سازها را امکان‌پذیر نموده، حتی اگر آن‌ها بازه‌های بسیار متفاوتی داشته باشند (که آنها، حتی اگر تعدادی صدای بسیار بالاتر یا پایین‌تر از صداهای دیگر باشند). انجام این کار فقط با استفاده از یک کلید بسیار سخت است، به دلیل اینکه حامل مدرن فقط ۵ خط داشته، و تعداد نت‌هایی که در محدوده حامل نشان داده می‌شود، حتی با خطوط اضافه، نزدیکی با تعداد نتهایی که یک ارکستر می‌نوازد ندارد. استفاده از کلیدهای مختلف برای سازها و صداهای متفاوت این امکان را می‌دهد که به راحتی نتها را در محدوده حامل با کمترین استفاده از خطوط اضافه نوشت. به این منظور کلید سل برا بخش‌های بالا، کلید دو برای بخش‌های میانی، و کلید فا برای بخش‌های پایین- به استثنای قسمت مهمی مهم از بخش‌های انتقالی، که نت متفاوتی از صدایی تولید می‌کنند نوشته می‌شود، اغلب حتی در اکتاو.

محل قرارگیری کلید های موسیقی به روی خطوط حامل

به منظور تسهیل در نوشتن محدوده‌های مختلف، هر یک از کلیدها به صورت تئوری می‌توانند روی هر یک از خطوط حامل قرار گیرند. هرچه یک کلید روی حامل پایین‌تر قرار گیرد، بالاترین محدوده را داشته، برعکس، بالاترین کلید، محدوده پایین را خواهد داشت.

به این دلیل که پنج خط، و سه کلید داریم، معقول است که پانزده حالت مختف از کلیدها داشته باشیم. شش تا از اینها، کلیدهای زائد هستند (برای مثال، کلید سل روی خط سوم همانند کلید دو روی خط اول است). که نه کلید متفاوت باقی می‌ماند، تمامی چیزی که در طول تاریخ آن استفاده شده‌است عبارت است از: کلید سل روی دو خط پایینی، کلید فا روی سه خط بالایی و کلید دو روی تمامی خطوط بجز بالاترین، به نام «کلید دوی متحرک». (کلید دو روی بالاترین خط زائد است زیراکه کاملاً برابر با کلید فا روی خط سوم است؛ هرچند هر دو گزینه استفاده می‌شوند)

کلید سل:

وقتی کلید سل روی دومین خط حامل قرار می‌گیرد، به آن کلید تربل می‌گویند. این کلید امروزه بیشترین استفاده را داشته، و تنها کلید سلی است که مورد استفاده قرار می‌گیرد. به این دلیل، اصطلاحات کلید سل و کلید تربل هم‌معنی در نظر گرفته می‌شوند. قبلاً همچنین به نام کلید ویلن شناخته می‌شد. کلید تربل در طول تاریخ برای بخش‌های صدای تربل یا قبل از بلوغ، استفاده می‌شده‌است.

در میان سازها از کلید تربل برای ویلن، فلوت، ابوا، هورن انگلیسی، خانواده کلارینت، خانواده ساکسوفون، ترومپت، کرنت، یوفونیوم (و گاهی باریتون)، ویبرافون، سیلافون، ماندولین، ریکوردر و گیتار استفاده می‌کنند. کلید تربل حامل بالا از حامل عمومی (بزرگ) است که برای هارپ و کیبورد استفاده می‌شود. همچنین گاهی اوقات به جای کلید تنور، برای بالاترین نت‌های سازهایی که با کلید باس اجرا می‌شوند مانند ویلن سل، کنتر باس (که یک اکتاو پایین‌تر صدا می‌دهد) و باسون و ترمبون نیز استفاده می‌شود. همچنین ویلن آلتو (ویولا) بعضی اوقات از کلید تربل برای نتهای خیلی بالا استفاده می‌کند. کلید تربل برای صداهای سوپرانو، متسو سوپرانو، آلتو، کنتر آلتو و تنور استفاده می‌شود. صدای تنور یک اکتاو پایینتر صدا می‌دهد و اغلب بوسیله کلید اکتاو (در ادامه توضیح داده شده‌است) یا دو کلید تربل نشان داده می‌شود.

کلید فا:

وقتی کلید فا روی خط چهارم قرار گرفته، به آن، کلید باس گفته می‌شود. این تنهاکلید فا است که امروزه استفاده می‌شود، پس واژه کلید فا و کلید باس اغلب مترادف در نظر گرفته می‌شود.

این کلید برای ویلن سل، یوفونیوم، کنتر باس، گیتار باس، باسون، کنتر باسون، ترومبون، باریتون، توبا و تیمپانی استفاده می‌شود. همچنین برای پایین‌ترین نتهای هورن و برای صداهای باریتون و باس استفاده می‌شود. تنو زمانی روی کلید باس نوشته می‌شود که هر دو روی یک حامل نوشته شوند. کلید باس کلید پایین در حامل عمومی برای سازهای هارپ و کیبرد است. کنترباسون، کنتر باس و الکتریک باس یک اکتاو پایین‌تر از چیزی که نوشته می‌شوند صدا می‌دهند.

آشنایی با نت های کلید فا خط چهارم و کلید سل متداول بر اساس الفبای جهانی

کلید سل

سرکلید پرکاربرد و مورد نظرما برای آموزش مقدماتی “کلید سل” است

همانطور که در تصویر مشخص است قسمت دایره ای شکل کلید دور خط دوم حامل( خطوط حامل از پائین شمرده میشوند) تنیده شده است بنابراین خط دوم را خط سل و نتی که روی خط دوم قرار میگیرد را نت سل مینامیم.

بقیه نتها نیز به ترتیب با توجه به ترتیب نتها که از دو شروع میشو و به سی ختم میشد روی خطوط حامل قرار میگیرند به عنوان مثال از آنجا که نت سل روی خط دوم قرار دارد پس نت بعدی که بین خط دوم و سوم نوشته میشود  لا خواهد بود چراکه در گویش و ترتیب نتها (از چپ به راست) بعد سل همیشه نت لا قرار میگیرد.

 

منظور از اکتاو در نت خوانی چیست؟

در آموزش نت خوانی قرار است ابتدا به اکتاو در نت خوانی بپردازیم. اُکتاو در نت خوانی به معنای فاصله ی طنینی بین دو نت یکسان است که در صدای موسیقی میان آن ها وجود دارد. این فاصله باعث تفاوت ارتفاع صدای نت ها می‌شود. برای بیان اُکتاو، می توانیم نت های موسیقی را به شکل الفبایی نمایش دهیم. به عنوان مثال در نت های الفبایی، A معادل نت LA و B معادل نت SI و C معادل نت دو می‌باشد.

به طور کلی، وقتی یک نت مثل C نیاز دارید، می‌توانید این نت را در اکتاو مختلفی نمایش دهید. به این ترتیب، ما داریم:

  • C در اکتاو پایین (کم): که معادل نت C پایین تر از نت C اصلی است.
  • C اصلی: نت C در اکتاو معمولی است.
  • C در اکتاو بالا (اعتدال): معادل نت C بالاتر از نت C اصلی است.

همچنین می‌توانیم چند نمونه نت های C را در اکتاو های مختلف نشان بدهیم:

  • C3: نت C در اکتاو سوم (مثلاً یک سی مرکزی)
  • C4: نت C در اکتاو چهارم (مثلاً سی مرکزی)
  • C5: نت C در اکتاو پنجم (مثلاً یک سی بالا)
  • و غیره…

هر اُکتاو شامل هفت نت مختلف است که با فواصل کوچکی از یکدیگر جدا می‌شوند. مثلاً بین C و C در اکتاوهای مختلف، فاصله ای برابر با هفت نت دیگر (سه نت کامل و یک نیم نت) وجود دارد.

نت خوانی و درک اُکتاوهای مهم برای اجرای درست نت ها و ترانه ها در گیتار و دیگر سازها ضروری می‌باشد. تمرین و تجربه با نت ها در اُکتاوهای مختلف به شما کمک می‌کند تا ارتفاع صدای موسیقی را به درستی تشخیص دهید و اجراهای صحیح تری داشته باشید.

تمرین نت خوانی در کلید سل

نام نت ها با توجه به کلید سل به عنوان پاسخ نامه خدمت شما قرار گرفته است با توجه به آن تمرینات زیر را انجام داده و نت خوانی را تقویت کنید

*در نظر داشته باشید پایه یا دم نت به سمت بالا یا پایین باشد تفاوتی ندارد مهم جای نت به روی خطوط حامل است.

 

 

جدول ارزش زمانی نت ها

جدول سکوت های متداول در نت ها

سخن پایانی

امیدوارم این آموزش مورد استفاده شما دوست عزیزم قرار گرفته باشه، در نظر داشته باشید این آموزش صرفا یک توضیح بسیار مقدماتی درمورد نت خوانی بود و به هیچ عنوان کامل نیست.

در ادامه و در آموزش های بعدی مواردی نظیر تئوری موسیقی ،گام شناسی ،ریتم، میزان نما و… را آموزش خواهم داد.

 

در اینجا به اختصار و مقدمات،جهت یادگیری نت ها اشاره شد و برای دوستانی که هیچ گونه پیش زمینه موسیقیایی ندارند کاربردی باشد.

 

لطفا نظرات و پیشنهادات خودتونو با من درمیون بزارید قطعا به بهبود روند کار کمک خواهد کرد.

سپاس.